Prince lorrain, archevêque de Reims (qui sacra trois rois en sa cathédrale), grand serviteur de la monarchie, fin lettré et mécène recherché, le cardinal de Lorraine a été une figure éminente de son temps, mêlé à tous les événements du troisième quart du XVI^e siècle. La première publication intégrale de ses lettres permet à D. Cuisiat, en une dense introduction d’une soixantaine de pages, de réévaluer le rôle joué par ce personnage contesté, dont la propagande huguenote a durablement entaché la réputation. Ont été recueillies près de mille deux cent quatre-vingts lettres, dispersées entre de nombreux fonds français et étrangers (jusqu’à Saint-Pétersbourg, Moscou, New York), qui ne reflètent pourtant qu’en partie une intense activité épistolaire déployée pendant plus de trente ans, des années 1540 à la disparition brutale de 1574. Il n’était pas possible de les reproduire toutes in extenso, d’autant qu’il s’agit le plus souvent de missives officielles, parfois chiffrées, aux formules redondantes, et qui peuvent se répéter en séries pour honorer chacun de leurs destinataires. L’éditeur a donc pris le parti de les résumer aussi fidèlement que possible, en citant entre guillemets les passages-clés, exception faite d’une centaine de lettres données dans leur texte original, qui attestent les dons épistolaires du Cardinal. Chaque document est précisément référencé et impeccablement annoté. On peut ainsi suivre sur une longue période la vie d’un prince de l’Église au XVI^e siècle et partager des centres d’intérêt très divers, de l’envoi de melons italiens jusqu’au conclave de Jules III (le seul auquel il ait participé), sans jamais perdre de vue les bénéfices vacants… Pas moins de cinq index facilitent la consultation de l’ouvrage.

Après Antigone, La Troade et Porcie, l’édition du Théâtre complet de Garnier, dirigée chez Champion par Jean-Dominique Beaudin, s’enrichit d’un nouveau volume. Les Juifves, tragédie la plus connue du XVI^e siècle, qui couronne à la fois les réflexions « renaissantes » sur le genre et le propre parcours dramaturgique du poète manceau, n’avaient pas reparu depuis les éditions Hervier (1945) chez Garnier et Lebègue (1949) aux Belles Lettres. Comme ses devanciers, S. Lardon a choisi de reproduire le texte revu et corrigé de 1585, livrant dans l’apparat critique les variantes de l’édition originale publiée deux ans plus tôt. Une introduction d’une trentaine de pages situe la pièce dans l’histoire de la tragédie à la Renaissance (on restituera toutefois, p. 9, à Des Masures et à Rivaudeau leur prénom respectif Louis et André), puis en dégage la double portée religieuse et humaine, pathétique et didactique. L’éditrice s’attache à définir chaque personnage à partir de la stratégie argumentative qu’il met en œuvre (particulièrement perverse chez Nabuchodonosor) et cerne les enjeux politiques du débat, d’une brûlante actualité pour le public contemporain. Le texte est éclairé non seulement par les notes placées en fin de volume mais encore par un riche ensemble de références, distribuées en quatre sections : bibliques (essentiellement tirées du Livre de Jérémie et des Lamentations), antiques (Sénèque surtout), philosophiques et « Concordances Garnier » (avec les autres pièces de son théâtre) — cette répartition obligeant toutefois le lecteur, pour un vers donné, à parcourir successivement chacune des quatre tables. S’y ajoutent encore un glossaire, trois index (des thèmes, des images, des noms propres), un tableau biographique 1545-1592 et une bibliographie. Une nouvelle édition bien venue pour les agrégatifs.

Diligent éditeur et commentateur des Mimes, enseignemens et proverbes, maître d’œuvre des Œuvres complètes à paraître chez Champion, Jean Vignes nous offre ici, sur son auteur de prédilection, une véritable somme bibliographique, dont les neuf cents entrées, incluant même des études à paraître, livrent une mine d’informations sur toute la poésie de la seconde moitié du XVI^e siècle. Le recensement est à la dimension d’un homme qui a occupé une place centrale dans la vie intellectuelle et artistique de son temps, à la dimension d’un poète qui s’est essayé pratiquement à tous les genres et les a marqués de son empreinte. Le premier chapitre fait l’inventaire des manuscrits, éditions et traductions, en particulier des nombreux recueils musicaux où paraissent des textes de Baïf, celui-ci en réservant volontiers la primeur, voire l’exclusivité à ses amis Mauduit, Caietain ou Le Jeune. Les chapitres suivants passent en revue les études bibliographiques, biographiques, générales, d’où se détachent la solide thèse de M. Augé-Chiquet et, dût sa modestie en souffrir, les travaux présentés récemment par J. Vignes lui-même en vue de l’Habilitation (n° 334 et 402) [1]. Une section joliment intitulée « De Ronsard à Éluard : l’œil du lecteur » propose un florilège des jugements portés sur Baïf, salué tour à tour comme poète tragique, lyrique, encyclopédique, religieux, et perçu comme un initiateur aussi bien par Scévole de Sainte-Marthe que par Vauquelin de La Fresnaie (sur ce « chemin que tu nous as ouvert », n° 441 et n° 495). Si des chapitres spécifiques sont consacrés aux Euvres en rime (inégalement étudiées) et aux Mimes, une section unique regroupe « Poésie, musique et vers mesurés », en raison de la place centrale qui revient à ces derniers; l’expérience a été mal comprise mais féconde, comme l’attestent les travaux récents des musicologues et la discographie de Baïf. Entre les « Varia » et l’appendice consacré au fils adoptif (et peut-être naturel) Guillaume, s’exprime le souhait de voir combler les lacunes de la bibliographie, de mieux connaître les idées et les engagements de l’écrivain pendant les guerres de religion, enfin de cerner les traits propres de sa poétique et ses diverses pratiques de la réécriture : le programme d’un futur colloque Baïf ?

Ce volume réunit quinze études proposant un échantillon de stratégies discursives féminines dont le point commun est de se manifester par des phénomènes de réflexion et de réflexivité. Deux analyses menées par Cl. Le Brun-Gouanvic et B.Deslauriers sur l’autoreprésentation ou sur l’exclusion de la figure auctoriale concernent Christine de Pizan. J. Rieu voit dans les jeux d’écriture « responsive » de Pernette du Guillet une autonomie littéraire et non une imitation gauche de Scève. Parce que Nicole Estienne croit au pouvoir de l’écriture, C. Yandell encourage une interprétation polémique des Misères de la femme mariée. A. Larsen note l’originalité des dialogues (genre masculin) de Catherine des Roches quand elle privilégie la voix de la femme et aborde des sujets bien concrets. D. Polachek dévoile une « politique de la lamentation maternelle » dans le pamphlet d’Anne d’Este car l’événement privé y est stratégiquement transformé en drame pour la France. É. Viennot explique le peu de réflexivité et d’introspection des Mémoires et F. Villemur étudie les liens entre « philautie » (l’amour de soi) et pacte autobiographique, chez Marguerite de Valois. Les changements successifs que Marie de Gournay apporte à son Proumenoir… sont significatifs de l’autonomie grandissante de son écriture et de sa réflexion politique et morale (M.-Th. Noiset). En distinguant les signes d’une écriture à soi de ceux d’une écriture destinée à l’autre dans la correspondance entre Mme de Sévigné et Bussy-Rabutin, C. Cartmill montre les inventions du moi qui en découlent. É. Méchoulan dégage « le geste de la réflexivité » dans Le Grand Cyrus. J. Iverson et M.-P. Pieretti lisent dans la traduction de Newton par Mme du Châtelet une stratégie d’écriture active qui lui permet de participer au dialogue scientifique. M. Fizet met à jour la présence d’une réflexivité indirecte chez Mme Belot. S. Minier considère que ce qui compte pour Mme de Charrière, c’est le fait d’écrire davantage que le destinataire : la correspondance est alors un moyen de création du moi.

F. Salaün réédite cet ouvrage provocateur, paru en 1711, d’un « esprit fort » de 22 ans. Avant de publier d’autres textes scandaleux et de mener carrière dans la Marine, tout en gardant l’intérêt de son siècle pour les sciences, Deslandes recueille en une suite de fragments, « chapitres » d’inégale longueur, les « morts diverses » de « grands hommes » de tous âges, sexes et pays. Il magnifie la constance des « esprits forts » jusque dans leur dernier moment en insistant sur leur capacité héroïque et comique à « badiner » avec la mort. C’est l’occasion, comme le souligne F. Salaün, de valoriser une philosophie aristocratique « de la maîtrise de soi et de la jouissance », d’héritage libertin et épicurien. Les gaillardes Poésies diverses, qui font suite aux Réflexions depuis 1714, chantent les plaisirs, dans la lignée des Chapelle et des Chaulieu. Le texte est précédé d’une présentation et d’une bibliographie, et suivi de trois annexes, les comptes rendus du Journal de Trévoux et du Journal littéraire (1713), la notice « Deslandes » de Sabatier de Castres dans le Tableau de l’esprit de nos écrivains depuis François premier (1763) et une table analytique.

Desaguliers (1683-1744) fait partie de ces auteurs parfois cités et rarement lus ; on retient en général de son œuvre le Cours de physique expérimentale (2 vol., trad. 1751), et sa participation à la rédaction des Constitutions of the freemasons qui codifient en 1723 la maçonnerie spéculative qui venait de naître en 1717 à Londres. Membre de la Royal Society, propagateur de la découverte newtonienne, on oublie trop souvent qu’il fut l’un des premiers physiciens de son siècle comme en témoigne encore le Nouveau dictionnaire historique de Chaudon (1783). L’ouvrage de P. Boutin, se construit autour d’un texte singulier de Desaguliers, Le système newtonien du monde : meilleur modèle de Gouvernement (1728), ici édité et traduit, qui se présente comme la version politique de la philosophia naturalis. A lire le commentaire fort savant de P. Boutin, on comprend que le modèle newtonien s’applique aussi bien à la société où la liberté est garantie par la loi et le politique séparé du religieux. L’institution maçonnique prend tout son sens dans ce contexte et la lecture que P. Boutin nous propose des articles un et deux des Constitutions est fort éclairante : appendice politique de la Royal Society, la maçonnerie va assurer le commerce entre les hommes et garantir leur autonomie sous les auspices d’un Dieu pantokrator, ici pensé comme Grand architecte de l’Univers. Au total, un travail stimulant et bien informé et qui change des commentaires creux que les Constitutions ont provoqués.

Après une préface d’I. Brouard-Arends, le volume se compose de trois parties. Dans la première, « Le contexte historique et religieux », M. Cottret présente un « état des lieux » sur la tolérance, rappelant les évolutions de la notion et insistant sur la coalition ponctuelle des jansénistes et des « philosophes » en sa faveur. D. Poton brosse un tableau instructif des relations entre la monarchie et les protestants, de l’édit de Fontainebleau (1685) à la reconnaissance de la liberté de culte (1791), avec en annexe chronologie, bibliographie, carte et extrait de lettre. Dans la deuxième partie, « La Bible : les controverses », F. Bessire montre comment la lutte philosophique pour la réhabilitation de Calas recèle le double fond, omniprésent chez Voltaire, d’une critique biblique véhémente et érudite, mise en évidence par le relevé détaillé, en annexe, des nombreuses références aux Écritures en œuvre dans le Traité. S. Albertan-Coppola étudie les Lettres de quelques Juifs… à M. De Voltaire de l’abbé Guénée, œuvre intéressante et révélatrice des stratégies du Traité voltairien qu’elle combat. Dans la troisième partie, « La Stratégie argumentative », O. Ferret exprime l’ambiguïté inhérente à la virulence polémique dans un combat pour la tolérance, tandis qu’A. Richardot étudie la polyphonie du texte voltairien et, notamment, la lutte de la « voix » et du « cri ».

Connu par ses excellentes monographies de Bayle et de Pascal, et spécialiste des Lumières françaises, Walter E. Rex, professeur émérite de littérature française à Berkeley, s’est attaché à l’œuvre de Diderot, à l’Encyclopédie dès 1971 — il a collaboré à l’inventaire dressé par Richard Schwab pour les Studies on Voltaire —, puis au Neveu de Rameau en 1986. Dans le même temps, il approfondissait le concept de contradiction dans un ouvrage paru à Cambridge en 1987, The Attraction of the contrary : essays on the litterature of the French Enlightment. Avec cet ouvrage, Diderot’s counterpoints, Walter E. Rex décide d’embrasser l’essentiel de l’œuvre du « Philosophe » pour y déceler une dynamique dialectique de la pensée et de l’illustration. Contradiction, contrepoint, paradoxe, désordre, disjonction, autant de termes dont l’auteur retrace l’historique et qu’il étudie pour percer à jour les procédés d’une pensée antisystématique, bien décidée à compliquer la tâche de la critique, en forçant à une étude, ici particulièrement bien informée, qui combinera nécessairement une approche philosophique, poéticienne et historique. On notera en particulier les chapitres 3 et 6 consacrés aux Entretiens sur le Fils naturel et au Rêve de d’Alembert. La contradiction est constructive chez Diderot ; elle autorise le chef-d’œuvre à ne pas souscrire aux principes de la rationalité qu’avaient imposés les « classiques ».

L’ouvrage est pourvu de deux titres et de deux sous-titres, en russe et en français, mais il est rédigé en russe. Les documents inédits sont cités dans la langue originale (français et suédois) et traduits en russe. L’auteur a dépouillé un nombre impressionnant d’archives à Moscou, Saint-Pétersbourg, Paris, Berlin, Varsovie, Genève, Stockholm et Uppsala. Les nombreux documents découverts apportent du nouveau sur Diderot, Grimm et Voltaire, et donnent un nouvel éclairage sur leurs rapports avec la Russie et avec les Russes.

Sir Walter Finch et son fils William est un ouvrage complexe tant par sa facture que par les idées qu’y projette l’auteur. L’excellente présentation de Valérie Cossy donne au lecteur les clefs indispensables qui lui permettront de saisir la logique des retournements de la pensée charriériste en ce qui concerne les relations humaines et l’éducation plus particulièrement. Alors qu’elle rédigeait ce roman, Mme de Charrière recevait chez elle son neveu et s’attachait à le former. Craignant que les contradictions qu’il pourrait relever dans ses œuvres ne portent « le désordre et la confusion » dans ses idées, elle décide de lui adresser une longue lettre explicative dont la publication à la suite du roman s’avère fort judicieuse. Ce volume est complété par un aperçu biographique et une bibliographie qui aurait pu être davantage ciblée pour ne pas oublier les rares études concernant directement les textes publiés (Intellectual Tacking : Questions of Education…, de J. Letzter, « Sir Walter Finch : une lecture », de J. Herman ou encore « Sur une lettre d’instruction de Mme de Charrière », de M. van Strien-Chardonneau).

Beaucoup d’ouvrages de synthèse sur le Romantisme français ont paru dans les dernières décennies ; la plupart d’entre eux s’organisent autour des mêmes champs d’investigation : historique du mouvement, recherche des rapports avec le contexte historique, politique, social, repérage des grands thèmes d’inspiration, étude de l’évolution des genres, analyse des œuvres marquantes… Le grand livre que vient de publier Michel Brix adopte une démarche radicalement différente, qu’indique le sous-titre, malencontreusement omis sur la couverture. La perspective de M. Brix est ouvertement philosophique et s’inscrit non dans la lignée des ouvrages évoqués plus haut, mais bien davantage dans celle des essais de Paul Bénichou : il s’agit de rechercher dans l’histoire des idées un principe unificateur qui permettra de « penser » le Romantisme français. Après avoir, dans son Introduction, recensé quelques-unes des opinions les plus répandues dans cette perspective, M. Brix en vient à sa propre thèse qui n’est pas sans parenté avec celle d’Auguste Viatte : « le romantisme peut ainsi se laisser appréhender comme un dialogue critique, parfois polémique, établi entre la littérature et l’inspiration platonicienne » (p. 19). La proposition peut surprendre, tant les doctrines de Platon, et plus encore celles de son disciple Aristote, semblent liées au classicisme ; cependant, remarque M. Brix, l’analogie que tout le monde s’accorde à regarder comme l’un des caractères majeurs de la nouveauté romantique, « regardée par les écrivains comme une voie d’accès privilégiée vers la vérité […] constitue également un concept central de la doctrine platonicienne » (ibid.). En outre, rappelle-t-il à propos au début de sa première partie (« Romantisme et inspiration platonicienne »), l’enseignement de Victor Cousin sous la Restauration joua un rôle essentiel dans l’histoire de la pensée esthétique en France ; quoiqu’il se proclamât lui-même éclectique et que sa pensée philosophique nous paraisse aujourd’hui médiocre, son attachement au platonisme reste indéniable par l’intermédiaire de la triade platonicienne qui fournit le titre de son ouvrage le plus connu : Du Vrai, du Beau et du Bien.

Le bel essai que nous offre aujourd’hui Jacques Dürrenmatt est important d’abord par son objet même d’étude : la ponctuation. L’auteur a choisi la forme libre de l’essai pour nous inviter à apprendre à lire et à écouter ce phénomène stylistique au statut linguistique et sémiotique incertain. Précisons d’abord, mais son titre nous l’indique, que cet ouvrage est centré sur les textes romantiques, c’est-à-dire sur un corpus qui s’étend à peu près de Nodier à Hugo, avec également de longues analyses de Balzac, Stendhal, mais aussi, bien sûr, de beaux développements sur Diderot et Sterne. Sa thèse est très clairement exposée : « La mauvaise couture d’une Histoire qui, à la différence de la grande Révolution, semble balbutier est comme le manifeste syncrétique d’une façon nouvelle d’envisager la liaison. Il ne s’agit plus d’effacer, autant que faire se peut, les frontières afin d’autoriser une continuité sans à-coups mais d’exhiber la rupture pour préparer la reprise d’un même autrement figuré. Figuration (ou défiguration ?) en l’occurrence inaboutie, incertaine, inquiétante, mais seule capable d’autoriser un changement véritable de politique comme d’esthétique, aussi éloignée de l’imitation béate que du rejet bêtement systématique des formes jusque-là acceptées » (p. 7). La stylistique de Jacques Dürrenmatt est historique parce qu’elle envisage les responsabilités de l’énonciation et qu’elle les replace dans la perspective de l’Histoire pour les comprendre. La perspective étant posée, l’auteur va avancer sa démonstration en neuf chapitres très complémentaires et surtout admirablement progressifs. Le premier est une « mise au point », si l’on peut dire, des données concrètes, à partir de l’article de Beauzée pour L’Encyclopédie. Jacques Dürrenmatt montre fort bien le processus de normalisation qui se met en place pour des unités irréductiblement singulières, puisque toujours réinventées, réinventables. La ponctuation, en particulier avec le terrorisme du point, lié à l’invention de la phrase au même moment (voir l’ouvrage de J.-P. Seguin, L’Invention de la phrase au XVIII^e siècle, Bibliothèque de l’Information grammaticale, 1993), participe d’une « fonction de coagulation » (p. 14) dont on a longtemps sous-estimé le pouvoir mutilant. Mais dont le sentiment explique la vivacité des réactions de George Sand, par exemple. L’ouvrage procède ensuite, chapitre par chapitre, en déclinant les différentes marques de ponctuation, et en envisageant la subversion de ces limites mal définies par les écrivains les plus originaux (voir, par exemple, les virgules chez Rousseau p. 21, ou les lignes de points multiples, écriture de l’ellipse, chez Balzac p. 44). De cet ensemble, on retiendra particulièrement les passages sur le tiret, unité d’un emploi particulièrement mouvant (p. 48-53), ou sur « l’art de chapitrer le roman » (chapitre 7) — très importants parce que la notion de « paragraphe » et de « chapitre » continue à rester le parent (le plus) pauvre de la stylistique, sans doute parce que l’on a la mauvaise impression de quitter là la stylistique précisément pour aborder au rivage de la poétique des textes : affaire de territoires… Les développements sur l’italique sont un peu moins neufs, parce que ce sujet-ci a déjà été bien étudié dans un passé proche. Mais le dernier chapitre, « Coutures et découtures », consacré à une nouvelle conception de la perception du rythme, unité centrale et sans doute unique de l’objet « ponctuation », est un chef-d’œuvre, dont on isolera cette belle formule : « Le texte ne se construit plus selon des principes préétablis mais en se trouant d’espaces lisibles de sommeil où se revendique son droit à s’abandonner » (p. 170) et Jacques Dürrenmatt semble ici rejoindre une perspective chère à Blanchot. La conclusion (« Épilogue ») revient à la thèse de départ, et cette idée de corps limité. Toutes les pièces s’étant mises en place, on comprend alors pourquoi cette étude sur la ponctuation du texte romantique est également une belle étude sur l’écriture du roman : « La différence est en effet fondamentale entre une pratique de clarification et finition a posteriori, par imposition de limites consciemment élaborées, et la possibilité laissée au texte de s’articuler selon une logique qui lui est propre et échappe à toute codification. Tout tend dans ce cas à libérer le roman de la tutelle des autres genres, et, par le glissement opéré, du tissu au corps, à l’envisager comme un organisme qui ne peut tenir qu’au moyen de la présence visible du je(u) dans l’articulation de ses membres » (p. 183). Écriture métaphorique et analyse stylistique d’un phénomène dont le flou même de la référence est la propriété de fonctionnement s’épousent idéalement. Le livre de Jacques Dürrenmatt est une contribution essentielle à la stylistique du roman, à la connaissance du romantisme, et peut-être plus encore, à l’étude de l’imaginaire linguistique en général.

Issu du colloque de Toronto de 1996 de Nineteenth-Century French Studies, ce volume qui publie quelques-unes des communications consacrées cette année-là aux « langues du XIX^e siècle » (celles qui concernent la seule langue française, en fait) est absolument passionnant. L’ouvrage s’ouvre sur un des textes les plus denses et les plus importants de Jacques-Philippe Saint-Gérand : « Langue, poëtique, philologie au XIX^e siècle. Du style à la stylistique… Une origine problématique ». En trente pages très serrées, l’auteur résume un siècle de réécritures toujours plus ambiguës et confuses de l’axiome de Buffon, « le style, c’est l’homme », dont il appartient au XIX^e siècle d’avoir fait le paramètre d’appréhension et de mesure stylistiques. Ce qui permet également à l’auteur de poser le problème de l’opposition style vs stylistique, pour savoir si le style est bien l’objet de cette modernisation d’une certaine rhétorique que d’aucuns appellent « stylistique ». Jacques-Philippe Saint-Gérand se tourne avec raison vers les manuels du XIX^e siècle, dont la Grammaire des grammaires de Girault-Duvivier qu’il a si bien su nous faire connaître jadis, ou le Journal grammatical de 1826-1840. Il repousse bien des clichés, et salue, par exemple, sinon l’originalité du moins le courage de radicalisation de Lemare (Cours théorique et pratique de langue française, 1807) dans la volonté de celui-ci de ne pas restreindre les faits de langue à la seule grammaire, mais de souligner leur allégeance à des impératifs sémiologiques et idéologiques d’un autre ordre. Sa conclusion est nette : « Il n’y a finalement là rien de différent sur le fond de ce que proposent la jurisprudence dans le domaine légal et la casuistique dans le domaine éthique… Lemare représente ainsi le cas typique d’une ambition descriptive louable, mais entravée par la géhenne d’un néologisme terminologique d’inspiration idéologique (casué, déclinatif, etc.) qui voudrait passer pour explicatif en termes généraux des variantes individuelles » (p. 19). Telle est la situation de la stylistique aujourd’hui encore, puisque les bases de sa naissance ont été ainsi faussées par deux discours autistes. À avoir placé cette analyse en tête de volume, les éditeurs orientent la lecture des textes qui suivent, lesquels, tous, s’expliquent par cette contradiction d’une conceptualisation jamais réalisée, et dont l’absence n’en finît pas de travailler négativement tout discours sur le style dans la langue, voire le style de la langue. À cet égard, pas d’exemple plus éclairant que celui de Balzac : Martine Léonard, en une analyse des polyphonies énonciatives particulièrement ambiguës dans — et non pas de — Splendeurs et misères des courtisanes, insiste sur l’écriture des décalages, des dérapages, des ruptures, qui sacrifient une harmonie de convention, jamais précisable d’ailleurs, au respect d’une sémiologie stylistique particulièrement clairvoyante. Jorge Pedraza prend un exemple plus sémillant avec la logorrhée de Gaudissart, bel exemple de distorsion du signe et de la valeur. Lisant Pixérécourt, Barbara Cooper étudie la question de la marginalité linguistique, sa position et sa récupération, à travers l’exemple du caraïbe, dont l’imaginaire fut si essentiel au XIX^e siècle. Certains chercheurs ne travaillent pas sur un auteur précis, mais sur un lexique et sa sollicitation, sa motivation, sa réactivation : Peter Schulman, pour l’évolution du mot « excentrique », Jann Matlock pour les langues de la médecine. D’autres interrogent les problèmes de la traduction, métapoétique (Loïs Cassandra Hamrick pour Baudelaire et Gautier), poétique (Seth Whidden pour Rimbaud, Steven Winspur pour Mallarmé), ou transsémiotiques (Robert Tomlinson, dans une belle analyse de l’ekphrasis des Salomé de Moreau dans À rebours). On terminera, sans avoir été exhaustif, sur deux études particulièrement convaincantes, et qui, encore une fois, illustrent parfaitement le problème présenté par Jacques-Philippe Saint-Gérand. Alain Pagès résume avec beaucoup de clarté et de concision les « modèles de l’écriture artiste ». Les débats sur les distorsions syntagmatiques, les inversions, les néologismes, les maniérismes, l’abus du style indirect libre, etc., renvoient directement à cette volonté de radicaliser la notion d’écart comme mesure esthétique, ici devenant, d’une façon réflexive que l’on jugera narcissique ou paranoïaque — les deux ne s’excluant pas —, franchement esthétisante : signe de recul et d’absence de recul à la fois. Et Éric Le Calvez donne une contribution absolument déterminante à l’ensemble de ce volume. Étudiant l’écriture de l’obscène, aussi bien dans sa présence que dans son absence, ou encore dans sa disparition, grâce à une étude méticuleuse des brouillons de L’Éducation sentimentale, Éric Le Calvez a le rappel suivant : « Dans une certaine mesure cependant, qu’il faut garder à l’esprit : la critique génétique n’est pas une herméneutique. Autrement dit, elle n’a pas à charge de favoriser l’interprétation du texte, interprétation que ses avant-textes rendraient plus valides; son but consiste plutôt, d’un point de vue théorique, à éclairer les modes d’émergence et de transformation des configurations narratives, par exemple dans la perspective d’une poétique génétique » (p.202). C’est bien là une balise qui précise à la fois un champ d’investigation et un discours analytique, dans une perspective de respect pour des objets à naître. Tel est, précisément, dans son dialogue avec la langue et cet usage de la langue qu’est la littérature, ce que la stylistique n’est jamais parvenue à réaliser.

Gabriel Monod a trouvé son digne successeur, Paul Viallaneix. Auteur de la Voie royale, essai sur l’idée de Peuple dans l’œuvre de Michelet (1959; 1971), éditeur en chef des Œuvres complètes chez Flammarion, P. Viallaneix veille depuis un demi-siècle à la résurrection des études michelétistes en France et à l’étranger. Sa biographie énergique et précise, très lisible, inspirée du bicentenaire de la naissance de l’artiste-historien, est fondée sur une connaissance impeccable et compréhensive de cette œuvre immense et variée.

Consacré aux naturalismes, le dossier critique de ce numéro de Nord’rassemble sept articles qui s’intéressent à des écrivains que le discours critique tient volontiers pour des disciples de Zola. Trois études (Paul Gorceix, Isabelle Krzywkowski, Jean de Palacio) s’arrêtent ainsi à la personnalité et à la carrière de Camille Lemonnier dont l’esthétique est envisagée dans sa diversité à travers le jeu de certaines thématiques (le rêve de l’âge d’or, la confusion des sexes). Les relations que Georges Eekhoud a entretenues avec les naturalistes français font par ailleurs l’objet d’une présentation documentée (Mirande Lucien) que conclut l’interprétation d’une nouvelle parue dans Dernières kermesses (1920). Une réflexion (Georges Dottin) est par la suite consacrée à Chair molle (1885), œuvre qui est présentée comme « la première et dernière incursion de Paul Adam du côté du groupe de Médan » (p. 54). Cette lecture s’appuie sur une brève analyse de la préface de Paul Alexis ainsi que sur un suivi détaillé de la représentation de diverses formes de prostitution dans ce roman qui fait scandale lors de sa parution. Les deux dernières études (Janine Hache, Paul Renard) s’intéressent à des écrivains comme Léon Bocquet et Maxime Van der Meersch dont les relations avec le naturalisme paraissent plus lointaines. Cette livraison se clôt sur des informations s’arrêtant aux activités littéraires et culturelles régionales et revient sur l’ensemble des manifestations et des publications récentes qui ont envisagé le développement des relations franco-belges à la fin du siècle dernier.

On savait l’importance de Flaubert chez Proust, des premiers pastiches à l’article critique de 1920. Mais on n’avait pas regardé en détail le travail de transformation textuelle du modèle flaubertien dans l’œuvre. C’est le dossier qu’ouvre Mireille Naturel en se fondant sur une approche génétique du texte proustien. Si Flaubert n’est cité que trois fois dans le texte publié de la Recherche, les brouillons font affleurer l’hypotexte flaubertien de manière plus explicite.

Il y avait depuis longtemps urgence. Les œuvres de Claudel dites « exégétiques » (mais lui-même n’emploie que les mots de « commentaires » ou de « poèmes ») étaient devenues quasiment introuvables. Certaines, publiées par des éditeurs aujourd’hui disparus comme Egloff, ne figuraient plus que dans l’édition rare et coûteuse de ses Œuvres complètes chez Gallimard. Cette situation était d’autant plus regrettable qu’elle accréditait le préjugé, fort répandu même parmi les admirateurs de Claudel, que ces « pavés », sans doute pleins de bonnes intentions, n’étaient que les « divagations » (le mot est bien de Claudel) anachroniques, torrentielles et extravagantes, d’un vieux poète affaibli par l’âge et en panne d’inspiration.

Ce numéro spécial de la revue Europe essentiellement consacré à Jean Giraudoux rassemble de courtes mises au point sur divers thèmes importants, du roman et du théâtre giralduciens, ou plus généralement sur des aspects fondamentaux de sa pensée, comme le féminisme, la préciosité, la beauté, la guerre, l’école, la ville. Les œuvres le plus souvent choisies sont Adorable Clio, Suzanne et le Pacifique, Les Aventures de Jérôme Bardini et Choix des élues pour le roman, Ondine et Electre pour le théâtre. Deux inédits, de Philippe Soupault et de Roger Caillois, offrent des portraits nuancés, sans complaisance, complétés par Jacques Body (« Innocent et coupable »). Ajoutons à cela un texte étonnant de Jean Giraudoux présenté par Guy Teissier, et centré sur l’héroïne Renée Salvat, puis sur les animaux, chers à l’auteur. Alain Duneau propose une approche plus globale sur l’idéalisme et le rêve dans l’œuvre giralducienne ; Paul-Louis Mignon rappelle la complicité créatrice entre Jean Giraudoux et Louis Jouvet, et Catherine Nier met l’accent sur la modernité du théâtre giralducien.

Elisabeth Scheele présente une étude minutieuse d’un morceau fameux de La Guerre de Troie n’aura pas lieu : le « Discours aux morts » d’Hector. Sans prétendre à une édition critique des différentes versions du texte, l’auteur les reproduit à la fin de son ouvrage. Cette étude, fidèle au texte, suit, en un plan très morcelé, le déroulement du texte. L’analyse se veut précise, tant au niveau de l’idéologie que des figures de rhétorique, pour mieux montrer que Giraudoux n’est pas un précieux séparant artificiellement beauté du style et profondeur de la pensée. L’enjeu essentiel de ce « Discours » est en effet la dénonciation de la guerre et de ses conséquences malheureuses, la réflexion sur le problème de la culpabilité (problème antique et moderne) et l’éloge peu attendu de la vie. Pour bien interpréter ce texte, l’auteur ne cesse de citer et de commenter d’autres œuvres à l’idéologie analogue ou antithétique ; elle veut ainsi démontrer que ce « Discours » est en rupture ironique avec la glorification traditionnelle des héros et l’emphase des discours exhortant à la guerre, y compris dans l’usage de certains topoi (comme la mort du « petit écuyer » ou le thème de la beauté d’Hélène). Analyse très riche et pertinente.

Le plan de l’ouvrage, chronologique dans sa partie analytique et dans son anthologie, permet de bien saisir l’évolution que connaît le sens de l’art dans l’écriture beckettienne, mais aussi la diversité des genres littéraires abordés par cet écrivain : critique d’art (trilogie sur Joyce, Dante et Proust, textes sur la peinture si importante à ses yeux), trilogie romanesque (Molloy, Malone meurt, L’Innommable), pièces de théâtre également très variées et tendant vers des tableaux de la mort (« texte-tombeau »), et même poèmes. Evelyne Grossman rappelle le pouvoir que Beckett attribue à la littérature de « transfigurer pour l’éternité la puissance ravageante de la mort » (p. 23), grâce à une esthétique révolutionnaire remettant en question la notion traditionnelle de représentation. L’auteur montre le travail de néantisation ou de décomposition croissant au cours de cette carrière théâtrale, tout en notant que l’œuvre fait échapper à la folie menaçant l’écrivain. Spécialiste d’Artaud, E. Grossman rappelle le lien étroit entre cette dramaturgie et le théâtre de la Cruauté, mais aussi l’analogie avec le rire féroce de Céline. L’accent est mis sur le rôle nouveau du langage désarticulé, à la fois intarissable et troué par le vide, et sur l’alliance étrange du rire et de l’horreur.

Certaines analyses relèvent de la thématique, essentielle chez Beckett, du néant (François Noudelmann) ou de la mort (Marie-Claude Hubert ou Jean-Claude Lieber qui étudie plus précisément le grand monologue de Lucky), ou encore du silence (Pascale Alexandre). D’autres articles portent sur des problèmes dramaturgiques et philosophiques à la fois : le temps dans l’article de Michel Lioure, le langage (de nouveau le silence étudié par P. Alexandre, le lexique analysé par Henri Béhar qui rattache Beckett à la génération de 1910). On s’intéressera aussi au rapprochement évoqué par Antoinette Weber-Caflisch entre Beckett et le peintre Bram Van Velde, à l’étude des sources beckettiennes (Hédi Kaddour, Jean-François Louette). Généralement, les auteurs de ces articles insistent sur la dimension contestataire et dérangeante (mais en même temps comique, comme le montre bien H. Kaddour) de l’œuvre beckettienne, tant du point de vue dramaturgique que métaphysique ou idéologique.

Cet ouvrage étudie de manière détaillée et systématique la dramaturgie du drame le plus connu de Beckett : En attendant Godot. Il présente d’abord avec simplicité et netteté les grandes étapes de l’intrigue, le contexte et les caractéristiques du courant appelé « Nouveau Théâtre » ou « Théâtre de l’Absurde », l’évolution de la carrière beckettienne, puis une étude dramaturgique du texte proprement dit (didascalies devenues si importantes et peut-être tyranniques pour tout metteur en scène ; structure circulaire et en miroir ; personnages et couples de personnages ; dialogues). L’ouvrage s’achève sur une synthèse des principales mises en scène de l’œuvre et sur une explication de texte méthodique. L’interprétation se garde bien de retomber dans les clichés tels que la « surdité » des personnages beckettiens ou la dialectique du maître et de l’esclave.

Pierre Oster est un poète aussi exigeant que discret. Dans la préface qu’il lui consacre dans ce volume, Henri Mitterand propose de le considérer comme un des artistes « les plus honnêtes, les plus inspirés et les plus libres » de notre « entre-deux-siècles ». L’anthologie que publient aujourd’hui les éditions Gallimard sous le titre Paysage du Tout rassemble des poèmes écrits entre 1951 et 2000. Le lecteur y trouvera d’abord des pièces qui, malgré leur musique propre, peuvent rappeler, ici ou là, l’admiration du poète pour Saint-John Perse (« Fraîche de la fraîcheur des mers frappées de gloire / La pluvieuse épée tirée des prémices de Mars »), puis les poèmes virgiliens de La grande année et des Dieux. Enfin, des Notes qu’on serait tenté de lire comme les apophtegmes d’un poète du désert (« Seul l’amour ressemble à Dieu; seul il étonne l’Eternité »).

Cette étude sur les œuvres théâtrales et romanesques de Pierre-Jakez Hélias a le mérite de situer l’auteur breton le plus populaire par rapport à la littérature régionaliste moderne. Thierry Glon veut montrer que la société bigoudène, étrange et étrangère, est regardée non par un ethnologue, mais par un témoin subjectif tâchant de revaloriser le paysan et le temps passé, mais prenant malgré tout une certaine distance lucide. Le romancier n’insiste pas seulement sur le folklore pittoresque, mais aussi sur une morale et une philosophie particulières (notamment l’aspiration vers l’Ailleurs et la « morale de l’orgueil »), sur l’obsession de la déchéance liée au « basculement historique », sur la confrontation avec la modernité urbaine et l’oubli de la langue bretonne. Sont analysés la technique de l’écrivain, les problèmes du narrateur, du récit oral et du ton de la conversation, la question épineuse de la langue bretonne, la relation entre le réel et la fiction. T. Glon étudie l’œuvre à partir des concepts personnels de l’écrivain breton, et souligne la construction-déconstruction du mythe du paradis bigouden perdu qui justifie la double tonalité de l’œuvre : poésie et dérision, à laquelle s’ajoute un mélange d’émotion et de pudeur.

L’entreprise de Friedrich Wolfzettel est d’autant plus méritoire qu’il n’existait pas jusqu’à présent d’ouvrage d’ensemble sur la littérature de voyage avant l’âge romantique, « lorsque le genre acquiert une dimension esthético-littéraire qu’il ne connaissait pas auparavant » (p. 6) ; d’autant plus nécessaire aussi que cette littérature en est à peine une et se trouve souvent rejetée dans la paralittérature. Il fallait donc circonscrire un corpus, le baliser, l’arpenter, et surtout le réhabiliter globalement.

La conférence inaugurale de l’historien Jean-Pierre Poussou (p. 9-22) à propos de l’urbanisme français, élaboré au Moyen Âge et relativement figé depuis les transformations du Second Empire, lance les débats de ce colloque au sujet original, puisque la littérature est plus souvent associée à la peinture et à la musique qu’à l’architecture. Les quatre parties du volume, intitulées « Le crayon et la plume », « Discours de l’architecture », « Architectures rêvées », « Ut pictura poesis », offrent des communications diachroniques groupées en thématiques pertinentes. En émergent plusieurs axes de réflexion.